Зардарян - армянский художник соцреализма

В своей мастерской живет и работает народный художник Армянской ССР, член-корреспондент Академии художеств СССР Оганес Мкртычевич Зардарян на протяжении десятков лет он создает произведения, многие из которых где только не побывали! И везде они знакомили мир с Арменией, с седым Араратом, изумрудными склонами Арагаца и синеглазым Севаном.
Словно сроднившись с ущельями, горами, полянами, цветущими садами, Зардарян написал немало полотен, богатых живыми, красочными нюансами и сочетаниями. Обычно он, тщательно изучая природу, пишет этюды, делает эскизы и варианты композиций. И очень много работает, прежде чем его произведения станут емкими символами родного края.
Одно из таких полотен — «Гарун» («Весна»). Более двадцати лет назад впервые экспонировалось оно в Москве, затем на Международной выставке в Брюсселе было удостоено серебряной медали, ныне вошло в золотой фонд советской живописи http://www.art-town.ru/ Третьяковской галереи.
Четыре года он собирал материал для картины. Бывал на склонах Арагаца, гостил у пастухов, видел их повседневный труд. Это полотно — со стройной крестьянской девушкой-горянкой, воплощением молодости, красоты, — символический и вместе с тем полный трепета жизни образ Родины художника, возрожденной Армении.

Если раньше Зардарян писал пейзажи сразу на пленэре и они неизбежно несли в себе элементы этюдности, то с годами его полотна становились обобщающими картинами с тщательно продуманной композицией, моделировкой формы, уверенным рисунком и определенным настроением. Изображая людей
на фоне пейзажа, Зардарян умеет выявить в самом состоянии природы эмоциональный смысл. Его живопись приобретает большую декоративность и сочную красочность.
Значительна   и  галерея  портретов,    выполненная    художниом. Когда он работает над портретом, то стремится проникнуть во внутренний мир человека, раскрыть его духовную и нравственную сущность. Живописец ищет и находит всегда самое лучшее в людях, пишет их с большой любовью. Но в его портретах не встретишь приукрашенных образов, они достоверны, типичны и выразительны.
Особый интерес представляет группа портретов знаменитых астрофизиков и астрономов, которые работали в «звездной» Бюраканской астрофизической обсерватории. Он писал ученых и среди них, конечно же, своего соотечественника — дважды Героя Социалистического Труда академика В. А. Амбарцумяна.
Свою нишу в товрчестве художника занимает соцреализм в живописи. Большую идейную нагрузку несут тематические полотна Зардаряна, насыщенные гражданственностью. Одно из самых известных — «Победа строителей Севангэс». Автор встречался со строителями, изучал их характеры, специфику работы. Он заостряет внимание на образах молодых рабочих — своих современников, воспевает их энтузиазм.
Оганес Зардарян много путешествовал, бывал в крупнейших музеях и картинных галереях мира. Его всегда вдохновляли произведения мастеров прошлого, он постоянно учится у них.
Разносторонне         одаренный художник, Зардарян — автор эскизов для ковров, плафонов и монументальных           росписей,
художественного оформления спектаклей и балетов. С большой любовью и глубоким пониманием относится он к народному творчеству, вводит традиционные элементы в свое искусство.
Мастерская художника — настоящий музей, где можно увидеть не только его работы, но и удивительные произведения национального искусства. Много сил мастер отдает повседневной, глубокой работе со студентами. Более десяти лет он руководит кафедрой живописи и композиции в педагогическом институте Еревана, учит молодых богатому, звучному языку светоносных красок, познанию мудрости мира, людей родной Армении.

По материалам сайта "Соц арт"

Картина для души

Художественная галерея http://www.art-antares.ru/ Антарес -  это выставка-продажа современной живописи, поддерживающая лучшие художественные традиции. В галереи представлены традиционные направления и жанры. Все сувениры, куклы или домовики, это авторские работы. Оцените разнообразие картин, пейзажей, натюрмортов. Всех объединяет позитив и красота.

Каждый человек без сомнения творец. Художнику же дано запечатлеть мгновение, и донести затронувшую его маленькую историю. Среди живописных полотен возможно, и вы найдете свою историю. Может, это ромашки, или рыжий кот? Возможно, и ваша душа запоет в унисон с морским пейзажем http://www.art-antares.ru/vsya-galereya/gavan.html или заброшенным деревенским домиком. Кому то нравятся горы, кому то корабли, - мы все индивидуумы, каждый с личным жизненным опытом и предпочтениями. Прислушивайтесь к рекомендациям, но по-настоящему, всегда слушайте свое сердце. Картина, прежде всего, должна приносить вам позитивные эмоции и радость.  В живописи не так страшно отсутствие виртуозной техники, сколько пустота и  равнодушие.  Мало уметь грамотно и профессионально накладывать мазки; живопись это многогранный инструмент, рождающий эмоции, душевность и художественные образы. Из рекомендаций при выборе своей картины-ищите глубину, гармонию и доброту. Ведь, покупая полотно, вы приобретаете энергию в свое жилье. Найдите красоту глазами художника, ведь живопись - это живое письмо. Это отличает ее от таких художественных просторов как скульптура, или фотография, например.

Среди просторов интернета обилие прекрасных предложений. Ознакомьтесь с творчеством художников картинной галереи АНТАРЕС. Все авторы дипломированные художники, имеющие большой творческий опыт. Многие работы участники выставок и частных коллекций.

Особый детский отдел «Планета детей». Сайт постоянно пополняется новым красочным материалом. Детские картинки http://www.art-antares.ru/planeta-detey/interier.html, литература предназначена для младшего возраста. Основным  мотивом традиционно является доброта и душевность. Окружайте вашего малыша доступной красотой. Детская личность формируется под влиянием многих факторов. Развитие его должно быть гармоничным и разносторонним. Дети чисты, пластичны и прирожденные творцы. Поощряйте ребенка в его начинаниях.  Благотворное влияние сказок, ярких иллюстраций, стилизованных образов не возможно, переоценить.

Антарес - центральная звезда созвездия скорпиона. Она входит в десятку самых значимых и ярких звезд.  Пусть ее творческий свет сделает нашу жизнь немножечко светлее!

Impression

В 1860-х годах Клод Моне и Огюст Ренуар любили рисовать вместе. Им хотелось увидеть, как каждый из них по-своему воспринимает одну и ту же сцену, чтобы затем сравнить результаты. Одно из излюбленных ими мест находилось на берегу реки в предместье Буживаль за Сен-Клу недалеко от Парижа.
Сена в Буживале Моне относится к 1869 году. Поначалу кажется, что он выбрал приземленную, чтобы не сказать банальную, сценку: люди прогуливаются по мосту в лучах заходящего солнца. Однако художник постарался достичь совершенно нового эффекта: он не изображал мир так, как он представляется или должен нам представляться, то есть реалистически или идеалистически, — он старался передать свое впечатление от этого мира. Другое его полотно Впечатление (Impression): восход солнца (1874 г.) дало имя целому направлению в живописи, ставшему намеренно и бесстыдно субъективным. Моне заплатил высокую цену за то, что упрямо шел собственным путем. Годами ему не удавалось продать ни одной картины. Современникам его произведения казались ничего не стоящими или возмутительными. Однажды, когда он уехал из Парижа, чтобы навестить новорожденного сына, кредиторы завладели его мастерской и распродали все (настенные часы) за гроши. Он совершает попытку самоубийства.
Импрессионистов интересовали три вещи. Во-первых, им хотелось исследовать недостатки человеческого глаза: почему глаз видит одно и не видит другого. По этой причине они создавали неточный, избирательный образ. Намеренно смазанными мазками Моне пишет пятнистые волны, перекошенные окна, туманные листья и беспорядочные облака.
Во-вторых, их завораживала изумительная игра света. Моне в свое время прослужил пару лет в Африке и видел потрясающую игру света в Сахаре. Позднее он систематически экспериментировал со светом, много раз переписывая один и тот же объект. Он написал фасад Руанского собора двенадцать раз в разное время дня и при разном освещении, так что сумел убедить публику, что в его безумстве есть определенный метод.
В-третьих, они были погружены в сложную и чрезвычайно изменчивую чувствительность и восприимчивость самого художника. И это было ключевым в том открывающем новую эпоху импульсе, который они дали современному искусству.
Иногда думают, что современное искусство, и импрессионизм в особенности, стал реакцией на реализм изображения, каким обладала фотография. На самом деле нет ничего более причудливого и преходящего, чем образ, созданный пучком света, проходящим через линэы за долю секунды при особой экспозиции и под особым ракурсом. Импрессионисты очень интересовались фотографией. Часто они даже пользовались снимками для предварительного изучения предмета. Например, Сезанн использовал фотографии и для своих пейзажей, и для своих автопортретов. Однако камера, пусть и обладавшая избирательностью человеческого глаза и зависящая от игры света, не имела ума. А ведь только благодаря разуму современные художники стали тем, чем они являются. Вот почему они в конце концов достигли своей цели, состоявшей, по словам Сезанна, в том, чтобы «затмить славою старых мастеров».

Шестеро художников из Армении

Мир искустсва разнообразен. Самобытные кузнечные и литейные мастерские  где местные умельцы мастерили самоделки http://www.umeltsi.ru/. Увлеченные художники и т.д. При   мысли   об   армянской   живописи   мы   привыкли представлять   себе   яркие  краски,   сильные   цветовые   контрасты;   нам   кажется,   что   жаркое   южное  солнце   всегда  должно   быть   главным   источником   армянского  искусства.   Но  такое  суждение   поверхностно.  Традиции  армянского  искусства  разнообразны.   Фантастическая     средневековая     скульптура, изысканная, отточенная  графика  старых  миниатюристов,  простодушная   портретная  живопись  художника середины   прошлого  столетия   Овнатаняна,  смелая   декоративность   нашего   современника Мартироса Сарья-на — вот   разные    грани    этого    богатого    наследства.
Молодые армянские художники расширили за последнее время круг отечественных традиций; они отказались от «национальных штампов», наметившихся было в армянской живописи. Это качество проявилось на выставке шести молодых ереванских художников в редакции журнала «Юность».
Участники выставки разные. Они несхожи не только индивидуальностями дарований, но и характером поисков. Неравнозначны и таланты художников, и глубина их отношения к собственному творчеству, и степень зрелости. Шесть художников как бы представляют разные направления того широкого фронта, которым движется сегодняшняя живопись, скульптура и графика в Армении.
Можно было бы составить выставку по-другому, собрав на ней мастеров, более близких по духу. Экспозиция была бы тогда более цельной и строгой. Но она не отразила бы широты и разносторонности исканий.
Насколько молодое армянское искусство ушло вперед от привычных представлений, показывает графика. На выставке два художника, представивших графические листы. Один — скульптор Араман Шираз, другой — живописец Генрих Элибекян. Графика была для них прежде «побочной профессией», но сейчас она увлекла их всерьез.
Генрих Элибекян любит эксперимент. Его не устраивают старые, сложившиеся приемы и техника графического изображения. Лишь немногие его листы сделаны в технике литографии и офорта. Большинство же — гравюры на картоне и пластмассе или рисунки, в которых смешаны темпера, гуашь, акварель, тушь, пастель. Фактура листа — один из главных объектов внимания художника. Он обрабатывает лист умело, но свободно, подчиняясь творческой интуиции, стремясь сохранить всю непосредственность художниче-
ского порыва. Интерес к форме, к технике, к приему закономерен. Элибекян ищет разнообразные способы претворения, переосмысления мира; он никогда не копирует то, что видит. Его образы построены на метафорах, сопоставлениях, ассоциациях. Естественно, что графический язык становится способом «переложения» реального мира в мир образный.
Шираз в графике представляет то же направление. Разница между ними в технике (Шираз предпочитает технику монотипии) и в том, что образный мир этого графика более конкретен. А в некоторых вещах за графическим образом явственно вырисовывается скульптурный. Графика оказывается поэтому не только самостоятельным видом творчества, но и помощником скульптуры.
В этом интересе к графике скульптор Шираз не одинок. В ереванских мастерских скульпторов часто увидишь интересные графические листы. Графическое мышление вступает в союз с пластическим на основании общих законов современного видения мира. Ереванские скульпторы часто стремятся к декоративности, к выявлению ритма на плоскости, к разработке невысокого рельефа. Графика оказывается на этих путях своеобразной лабораторией.
Интересам декоративности подчинены показанные на выставке работы Юрия Петросяна. Они выполнены в дереве, и, хотя невелики по размерам, их легко представить увеличенными, украшающими стены интерьеров или установленными на открытом воздухе среди зелени. Петросян чаще обращается к женским образам. Он ищет лиризма в их истолковании — в основном ритмическими средствами, мягкостью контура, используя фактуру материала.
Среди живописцев самым интересным и самостоятельным представляется мне Роберт Элибенян. У него есть своя тема, которой он занят уже многие годы, свой мир поэтических представлений, своя живописная гамма. Чаще всего Роберт изображает двух женщин в интерьере. Погруженные в себя или как бы занятые бессловесной беседой — внутренним общением, эти женщины отделены от прозы повседневного бытия, они переносят нас в сферу мечты, вымысла, чистого чувства. В этих картинах нет ни действия, ни события. Вреглл в них словно остановлено, движения замедленны. В этом мире, лишенном суеты, каждая мелочь приобретает ценность, и художник стремится найти своеобразный эквивалент этой ценности в пластике, композиции, живописном строе. Мягкая ритмика линий и пятен, нежные цветовые переходы и отношения, бережность касания кистью поверхности холста — все эти качества и делают живопись Элибекяна своеобразной и индивидуальной. В натюрмортах и портретах Эдмона Закаряна чувствуется стремление «строить» картину, а не просто переносить натуру на холст. Однако, опираясь на опыт предшествующей живописи, художник не всегда умеет преодолеть влияния, прийти к цельности художественного образа.
У Рубена Гевондяна уже есть свой голос. Условные, обобщенные формы, привычные мотивы (девушки с кувшинами, фигура у колыбели), четкий контурный рисунок, декоративный принцип цветового решения — все это уже найдено, как будто отстоялось и, кажется, «не собирается» видоизменяться. Однако, мне кажется, Гевондяна подстерегает опасность повторений, стилизации, опасность легкого пути — использования уже найденного.
Какими бы ни были соображения критика или зрителя по поводу отдельных работ, в целом выставка не может не вызвать радостного чувства. Она — свидетельство движения, исканий, перспектив
Д.   Сарабьянов

Зима в картинах знаменитых русских художников

Зима в картинах знаменитых русских художников

Русская зима! Сколько в ней необычайной красоты! О ней писал А.С. Пушкин, В.А. Жуковский в XIX веке. Поэзия русской зимы стала затрагиваться уже в первой половине золотого века – А.А. Ивановым, П.А. Федотовым. В первых этих работах ещё звучат религиозные мотивы произведения, а во второй половине XIX столетия участниками передвижных выставок, новаторами тема русской зимы передана во всех красках. Среди них знаменитые русские художники http://rus-artist.ru/ – Васильев Ф.А., Васнецов В.М., Куинджи А.И., Саврасов А.К., Серов В.А., Суриков В.И., Шишкин И.И., Коровин К.А.

Какой же видели русскую зиму художники на протяжении всего времени?

Васнецов мастер фольклорной живописи, обращался и к жанровой живописи. Будучи жанристом, в первые годы творческой работы, он написал известное произведение «С квартиры на квартиру». В зимнюю пору старик со старухой на краю бедности ищут себе пристанище – сюжет Достоевского. У Сурикова зима – суровая сибирская действительность, в которой прошло его детство, дополненная суровыми событиями революции. Яркий пример тому его шедевры «Боярыня Морозова», «Переход Суворова через Альпы» и картина «Взятие снежного городка». «Взятие снежного городка» прекрасно отражает крестьянскую русскую игру, в которой русский народ полон сил и здоровья, с весёлыми нравами и обычаями.

Васильев, молодой талантливый художник написал зиму в лирическом исполнении (картина «Оттепель»). Зима Васильева – унылая пора, с набухшим влагой небом. Когда смотришь на эту картину, то не покидает чувство покинутости, что подчёркивает одинокий старик с ребёнком на картине. Накренившаяся избушка, как символ России «всех краёв дороже».  В это же время Саврасов написал картину «Грачи прилетели», мастер лирического пейзажа. Этот шедевр Саврасова символ целой эпохи в русской живописи. Искусствоведы того времени писали о том, что в «Грачах» есть душа, чем картина затмила произведения Шишкина, Куинджи, Клодта. Зима в этой картине уступает русской весне с прилётом грачей. В картине удивительно перекликаются природа с человеком, живущим где-то рядом. Как в стихах верба, символизирующая жизнь, воскресение, приход весны, неказистые русские берёзы, в ветвях их грачи вьют гнёзда.

Зима Шишкина передаёт могучую силу природы, с её непроходимыми лесами, великими деревьями. Коровин пишет зиму, как неотъемлемую часть русской крестьянской деревни, с лошадьми, домами, крестьянками. Так в XX веке зима становится излюбленной темой в изобразительном искусстве, уже как отдельная тема, наполненная русской лирикой и поэзией.

Что нужно знать о качестве красок художнику

Качественные краски отличить достаточно сложно, особенно для тех, кто не обладает достаточным количеством знаний. Есть один из старых методов – проверить краски действием солнца. Достаточно просто нанести масляные краски на стеклянную пластину и дать высохнуть мазку. Половину мазка накрыть черной тканью и поставить пластину на солнце, лучше на несколько месяцев. По прошествии времени, изучить разницу. Если разница минимальная, то краска качественная. При помощи такова метода можно проверить количество пигментов в виде порошка или же смесь красок.

Чтобы проверить качество красок темперы, акварели или гуаши, нанести мазки на два листа белой бумаги. Один выставить на солнце, другой оставить в темноте. И так же через несколько месяцев проанализировать.

Цинковые белила растворяются в винном уксусе, если нет, то это сульфат бария. Растворяются в соляной кислоте, если есть осадок, значит, добавлен каолин или мел. Есть еще способ проверки белил: поместить белила в сосуд с винным уксусом, 20 частей воды добавить и 2 части щавелевой кислоты. Если будет присутствовать карбонат кальция, то появиться осадок.

Серебристые белила если смешать с азотной кислотой не дают осадка.

Желтый кадмий при смешивании с азотной кислотой, если он хорошего качества, то превращается в жидкость, которая напоминает молоко. Если смесь окрасилась в серый цвет, то имеется наличие кармина.

Стронциевая желтая, ее смешивают со щавелевой кислотой.

Желтая земля и желтая охра фальсифицируют с помощью анилина. Определяется с помощью спирта, он не должен терять свой цвет.

Зеленая изумрудная. Если ее прокипятить в растворе щавелевой кислоты, после остудить, то она приобретает голубой оттенок. Ее смешивают с зеленой веронез, для определения просто разогреть краску в железном сосуде, если будет пар с запахом чеснока, то здесь будет добавлен веронез в новаком.

Есть еще такой способ. Довести краску до кипения в уксусной кислоте, добавить воды, профильтровать. Жидкость должна быть бесцветной. Желтый цвет говорит о присутствии свинца или цинка.

Киноварь. Прокипятить, остудить, отфильтровать через бумагу промокательную. Краска не оставляет следов, если она натуральная. В противном случае присутствует ртуть. Фальсифицируют киноварь также с помощью сурика, в присутствии азотной кислоты, она приобретает темный оттенок.

Лак-марена, в сочетании со спиртом не окрашивается, в ином случае добавлен анилин.

Ультрамарин, если смешать с раствором щавелевой кислоты, выделяет сероводород, жидкость становится яркой и светлой.

Если ультрамарин поставить на огонь в железной посуде и начнет выделяться красный пар, то сюда добавлена индиго.

Синяя ляпис-лазурь, если соединить с азотной кислотой превращается в золу, если остаются пятна краски, то имеются примеси кобальта или синей Прусской.

Синий кобальт, при разогреве в железном сосуде, не имеют запаха и пара.

Таковы общие сведения о красках, которые надо знать начинающему художнику.

Неизвестный портрет

В Нижне-Тагильском художественном музее рядом с полотнами времен Рокотоза и Боровиковского висит малоприметный на первый взгляд портрет сурового старого человека с пышной бородой и в полном царском облачении. Под портретом лаконичная надпись: «Неизвестный художник конца XVII века, русской школы. Портрет Алексей Михайловича, отца Петра I».
Даже неискушенного зрителя поражает совершенно незнакомое лицо, не похожее на широко известные изображения «тишайшего» царя. Вместо отечного, богомольного, хитрого, со скрытой жестокостью в глазах Алексея Михайловича на вас смотрит умный, тоже хитрый, наделенный самодержавной властью человек, для которого заповеди Христа на втором месте после государственных нужд..
Исследуя архивные документы, я обнаружил, что до 1944 года, когда картина находилась в запасниках Государственного Русского музея в Ленинграде, она называлась — портрет Василия Шуйского. Почему?
Надо было во всем разобраться. Я сравнил нижне-тагильский портрет со всеми известными изображениями Алексея Михайловича XVII и XVIII веков — того периода, когда они были наиболее достоверными. Таких изображений известно около сорока, но ни одно ни в какой мере не похоже на нижне-тагильский портрет. Кроме того, ни в царских описях, собранных И. Забелиным, ни в фондах Оружейной палаты московского Кремля не оказалось одежды и венца, похожих на одежды и венец Алексея Михайловича, изображенных на портрете. И тогда стал вопрос: а Алексей ли Михайлович это. Венец типа так называемой «шапки Мономаха», изображенный на картине, и бармы-оплечьи позволили установить довольно твердые хронологические рамки в четыре с половиной столетия: начало XIV века — 1724 год, когда царский венец сменили новым образцом. В течение этого времени у власти стояло не много не мало девятнадцать человек. Кто же из них?
Впервые «шапку Мономаха» использовали при Иване III, и в этом случае круг царственных лиц сузится до двенадцати. Но и этого много. Бармы позволяют еще более ограничить круг лиц. Хотя оплечьи известны с 1206 года, но употреблять их при торжественных княжеских выходах в таком виде, в каком мы их видим на портрете, стали с середины XVI века, а именно — с Ивана IV. Таким образом, сразу диапазон времени сокращается до 170 лет, а число возможно изображенных лиц — до десяти.
Но из этого списка Алексей Михайлович уже выпадает. Его сын Федор Алексеевич умер 21 года и седой бороды иметь не мог. Иван Алексеевич, брат Петра I, скончался в 30 лет и при царствовании такой бороды тоже не носил. Лицо Петра I нам хорошо известно. Федор Годунов умер 22 лет. Не похож портрет и на Федора Ивановича, от времен которого сохранился поррет, находящийся в Государственном историческом музее в Москве.
Итак, остаются четверо: Михаил Романов, Василий Шуйский, Борис Годунов и Иван Грозный.
Тщательный анализ сохранившихся прижизненных портретов и словесных описаний позволяют сразу же отбросить первых трех.
О внешности Ивана IV материал достаточно обилен. У И. М. Катырева-Ростовского читаем: «Царь Иван образом нелепым, очи имея серы, нос протягновен и покляп, возрастом велик бяше,  сухо   тело  имея,   плещи   имея  высоки,   груди широки, мышцы толсты...»
Портретных изображений Ивана Грозного несметное множество, но наиболее достоверны: портрет Ульфильда, где царь изображен в сорокалетнем возрасте; так называемый «датский портрет», подаренный в 1677 году Федором Алексеевичем датскому послу, и, наконец, портрет в «Титулярнике» 1762 года.
И, наконец, — описание академика М. М. Герасимова: «Лицо спокойное и вместе с тем жестокое и брезгливое. Выступающая вперед губа, тяжелый, резко асимметричный подбородок, очень асимметричный нос. Глаза неравной величины: правый глаз меньше левого, потому что правая глазница намного меньше левой.
Маленький лоб, сильно развитое надбровие, асимметричные брови. Голова небольшая, шея очень сильная, грудь широкая».
Все это похоже на три наиболее достоверных портрета царя и на нижне-тагильский.
Для большей убедительности проведено поэлементное сравнение лиц и обнаружено одиннадцать сходных элементов: брови и надбровные дуги, нижние веки и подглазные мешки, осевая линия носа, кончик носа, носогубная складка, губы, скульная линия, усы, подусни-ки, тройная борода, обрамление бородой нижней части лица. Итак, сомнения нет: это Иван Грозный! Теперь возник другой вопрос: когда и для чего выполнен портрет? Поскольку он заключен в овал, можно сказать, что портрет исполнен не раньше, чем в начале XVIII века. Но есть и еще одна деталь: на самой вершине венца нарисован крест. Не обычный христианский четырехконечный, который красовался почти на всех венцах до XVIII века, а так называемый георгиевский: он впервые появился на русских венцах после 1724 года. Значит, картина написана не раньше этой даты.